Nuevo Lanzamiento: 10 Years Solo Live, de Brad Mehldau

8159IKGx8oL._SX425_El pianista contemporáneo de jazz más importante, publica una retrospectiva que resume su última década como solista en directo. ’10 Years Solo Live’ es un cuádruple CD con un repertorio perteneciente a 19 recitales distintos y comisariado por el propio músico, que ha sido dividido en 4 sets: Dark/Light, The Concert, Intermezzo/Rückblick y E Minor/E Major.

Bien conocido por el público ajeno al mundo del jazz (gracias a su empeño en aportar nueva luz a clásicos contemporáneos del pop) e igualmente consolidado como referente de la escena más academicista, Brad Mehldau ha publicado 20 álbumes como solista (incl. combos), 15 a medias con otros artistas, 5 bandas sonoras y 8 como músico de sesión. Tras 25 años sobre los escenarios, este nuevo álbum no solo cumple una función documental (con más de 300 minutos de música inédita), sino que supone la rúbrica más pura de entre todas sus facetas posibles: Solo y en directo. Por razones obvias (Brahms, John Coltrane, clásicos de Broadway, The Beatles, Pink Floyd, Nirvana, Jeff Buckley, Radiohead, Sufjan Stevens….), el extenso tracklist es absolutamente fascinante.

Pueden escuchar el disco completo en Spotify:

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Disco Recomendado: “Samba Meu” de Maria Rita

Maria Rita – Samba Meu (2007)
por María Angela Pucharelli

7aa8c223bc0ea35c51ee5368194bda83ba548407Quien apareció como una promesa hija de una gran estrella para no dejarnos huérfanos, comfirmó las evidencias y mostró luz propia.
Es así que Maria Rita se destaca cada vez más en la escena musical de Brasil y demuestra que vino para quedarse. Hija de Elis Regina y César Camargo Mariano la intérprete revela en cada lanzamiento una fuerte personalidad y un gran talento.
Los discos “Maria Rita” (2004) y “Segundo” (2005), reflejaban una atmósfera intimista, mientras que en su tercer álbum “Samba Meu” (2007), producido por Leandro Sapucahy y co-producido por la cantante, podemos percibir no sólo la versatilidad de Maria Rita, que viene flirteando con el samba desde el primer disco, pero principalmente una ruptura de su imagen de diva intocable. Imagen causada, según sus propias palabras, por proceder de una familia totalmente musical.
En “Samba Meu” Maria Rita, sin mayores pretensiones, quiere solamente cantar su amor por el samba.
No es sólo el cambio de repertorio que ocurre en este momento de la vida de la cantante, ya que ha decidido cambiar São Paulo por Rio de Janeiro. Tal vez “Samba Meu” expresa en cierto modo una renovación en todos los aspectos, con nuevas posibilidades y transformaciones: con seguridad la hija de “Pimentinha” * es una mujer con pimienta.
La canción “Ta Perdoado” (composición de Arlindo Cruz dedicada a Maria Rita) es actualmente una de las más difundidas en las radios de Brasil, tal vez porque más allá de su ritmo contagioso habla inevitablemente de la pasión, los planes y los pequeños detalles que conforman una relación, además del perdón, cuestiones siempre presente en la vida de pareja,.
Maria Rita en “Samba Meu” es sin duda una excelente elección para cualquiera que gusta del samba. Uno podrá oir y sentirse en Lapa, el reducto de los mejores sambas de Rio de Janeiro.

*

Para aquellos suscriptos a Spotify, pueden escuchar el disco acá:

Dos recomendaciones de discos: Toots Thielemans y Ax/Ziegler

Toots Thielemans: “One more for the road”

Sello: Universal

El gran armoniquista belga Toots Thielemans es, con 93  años de intensa y creativa vida, una leyenda viviente.

Thielemans logró, con un sonido prístino, natural e intimista, llevar un instrumento generalmente relegado en el jazz a una posición de protagonismo que sólo encontramos en la música blues.

Calificado por el mismo Quincy Jones como “uno de los más grandes músicos de nuestro tiempo”, Toots ha tocado en las ligas mayores del jazz: Bill Evans,  George Shearing, Jaco Pastorius, Ella Fitzgerald, entre otros.

Su vitalidad se demuestra en este disco que homenajea al genial Harold Arlen (1905-1986), compositor americano que , con un nombre menos conocido que el de Cole Porter y George Gershwin,  fuera el autor de bellísimas melodías como “Somewhere over the rainbow” y “I´ve got the world on a string”.

Los cien años del nacimiento de Arlen fueron la excusa para que Toots Thielemans se asociara a su habitual colaborador, el pianista Kenny Werner, y a un seleccionado de jóvenes y excelentes cantantes como Jamie Cullum, Lizz Wright, Madeleine Peyroux,y Laura Fygi.

El resultado es un  disco donde el juego de las voces y el sonido de la armónica se conjugan para una bellísima relectura de melodías que ya son parte de un legado musical que emociona y sorprende, a pesar de su carácter de clásico indiscutible.

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Emanuel Ax – Pablo Ziegler: “Los tangueros”

Comparar a Astor Piazzola con músicos de la talla de Gershwin o Ellington no es un capricho. Su capacidad para utilizar los ritmos y melodías del tango y combinarlos con armonías y recursos de la música clásica moderna llevaron a que Piazzolla haya creado un género musical que no encaja en ninguna categoría previa.

El carácter universal  de su música ha llevado que cada año surjan músicos de los más variados orígenes, tanto musical como geográfico, que homenajean su figura interpretando sus obras. Para nombrar algunos: Yo-Yo-Ma, Al Di Meola, Kronos Quartet, Gidon Kremer, Daniel Barenboim….

El gran pianista clásico Emanuel Ax es uno de los tantos que descubrieron la figura de Piazzola y se enamoraron de su música. La formación musical del gran Astor convierten a su música en un objeto de deseo para la mayoría de los músicos clásicos: la sensualidad  y el ritmo del tango se combinan con arreglos que coquetean tanto con el jazz como con la música clásica.

Para lograr este inspirado y respetuoso homenaje, Ax se asoció al gran pianista Pablo Ziegler, que fuera miembro del quinteto de Piazzola durante casi diez años. Si bien los dos pianos no pueden recrear los timbres de un quinteto, los excelentes arreglos y la impecable ejecución hacen de éste uno de los más originales y atractivos homenajes al gran Astor Piazzolla.

Para aquellos suscriptos a Spotify, pueden escuchar el disco acá;

 

Viva Elis (Lembranças do Porto Alegre)

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Por Jorge Velasco

Llegué a Porto Alegre pensando en otra cosa. Ubicado en el Centro Histórico de la ciudad salí a media tarde a caminar con unos colegas, en unos minutos llegamos a la Plaza 15 de Noviembre y nos metimos en el pintoresco Mercado Público, que me hizo recordar el antiguo Abasto antes del Shopping; es el mercado de las especias y punto de encuentro de esta particular ciudad, que me hizo pensar una reflexión de Vitor Ramil, que este es otro Brasil. Continuamos caminando hasta la Plaza de Alfandega, donde se encuentra el Museo de Arte de Río Grande do Sul, que no contaba con su muestra habitual, ya que presentaba una exposición de arte contemporáneo. Volvimos para tomar la Rua dos Andradas donde compré algunos discos recién editados, y seguimos rumbo al Estuario do Guaiba. Ya se hacía de noche y yo me sentía un poco inseguro (una sensación), pero mis acompañantes, mas valientes que yo, insistieron así que yo me encomendé frente a la impresionante Igreja Nossa Senhora das Dores; y así arribamos a la Av. Presidente Joao Goulart y en pleno crepúsculo se alzaba la imponente Usina del Gasómetro iluminada su entrada por una gigantografía con la leyenda “Viva Elis” y fotos de la inolvidable.

Cruzamos la avenida e ingresamos a esta antigua planta de gas, hoy reconvertida en un museo de tres plantas que funciona como Centro Cultural con una superficie de 18.000 m², con sala de exposiciones, biblioteca y cine. En la planta baja, un laberinto de paneles que relataban en fotos la vida de Elis, decenas de equipos individuales de audio-video con toda su discografía, vestidos usados por la artista a lo largo de su carrera y por último una pequeña sala también en laberinto que dada la hora disfrutamos a solas de un original video con los momentos, frases y canciones emblemáticas con un final a capella de Fascinación, esa maravillosa canción de moda de los 50s, a raíz de formar parte de la banda de sonido de Amor en la Tarde, film de 1957 del gran Billy Wilder con Audrey Hepburn, Gary Cooper y Maurice Chevalier, que si mal no recuerdo era cantada por Connie Francis. Así salí canturreando fascinado y preguntando a las chicas del museo a que se debía esta muestra, y allí además de darme un sticker de recuerdo me informaron que se conmemoraban los treinta años de la muerte de la cantante, una de las mas importantes, no solo de Brasil, sino de ese rico conjunto de voces populares imprescindibles que van de Edith Piaf a Mercedes Sosa, o de Ella Fitzgerald a Violeta Parra. Elis tiene lugar en ese paraíso, que siempre imagino, de todas las voces y del inmenso tesoro de la música de los pueblos.

Nacida en la capital gaucha el 17 de marzo de 1945, con apenas 20 años se hace cargo en Rio de Janeiro, del programa de TV que es el testimonio de la edad de oro de la M.P.B. (Música Popular Brasileña). Escribe Caetano Veloso en su notable libro Verdad Tropical “… con Elis el drama y los grandes gestos volvían a la M.P.B. a través de la televisión” “… Tenía una voz limpia y brillante y su seguridad en términos musicales era impresionante”. En ese programa actuó junto Dorival Caymmi, Baden Powell, Jair Rodrigues, Elsa Soares, Rosinha da Valença, Wilson Simonal, Hermeto Pascoal y el Zimbo Trío, entre tantos. Preservo como una joya los tres CDs de No Fino da Bossa, que así se titulaba el programa. Que por otra parte fue punto de partida para los jóvenes talentosos que hoy son los grandes de la música brasileña, el nombrado Caetano, Chico Buarque, Milton Nascimento, y el futuro ministro de cultura Gilberto Gil, que como cuenta la propia Elis, este magnífico autor y cantante, pudo dejar su trabajo de vender jabones para mantener a su familia y empezar a ser quien es. Así también fue beneficiado por la curiosidad, generosidad y visión de Elis, un jovencísimo Edu Lobo que quedó consagrado por la impactante versión de Arrastrao que realizó la cantante.

Dentro de la compleja discografia de Elis, de los cuales unos diez llevan el mismo titulo: Elis. Pero claro entre ellos se encuentran Falso Brillante, Essa Mulher y por supuesto la joya de la corona Elis y Tom.

Pequeña, bella y temperamental, su apodo más conocido: Pimentinha, lo dice todo.

Cualquiera puede consultar su biografía. Yo solo quiero destacar que su voz apasionada es la antítesis del susurro suave de la bossa. Verla nos produce la contradicción, de una actitud expansiva y risueña, con un costado oscuro y dramático que la convierte en una versión latina de Billie Holiday.

“Cantar es como un sacerdocio”; “La música es mi brazo, mi motor, mi combustible y soledad”; “Entre la espada y la pared, me lanzo hacia la espada”. Son sus frases. El 19 de enero de 1982 a los 36 años, en San Pablo, se lanzó hacia la espada.

Mientras escribo esta nota en nuestro país el sello Warner tuvo la delicadeza este treinta aniversario, y editó cinco discos de la ultima fase de Elis. Así contamos con Elis Regina: Um Dia, doble CD que reúne dos shows, uno por la tarde y otro por la noche del 20 de julio de 1979 en Montreux, una de los primeras incursiones no tradicionales, que luego se convertiría en una característica de este afamado festival de jazz, cuenta el disco con un bonus notable junto a Hermeto Pascoal en piano. Otro álbum doble es de 1980 “Saudade do Brasil”, que rescata un show en el mítico Caneçao de Rio. Se suma “Elis Vive” también en vivo en el Palacio Anhembi de San Pablo en 1979. La reedición de un clásico ya mencionado “Elis, essa mulher”, y por último una recopilación “Elis Por Ela”. Todos un autentico acto reparatorio para este mito de la canción a secas.

Hoy nos quedan dos hijas de Elis, una biológica que tuvo con el/su pianista y arreglista César Camargo Mariano, la ascendente María Rita; y su otra hija, geográfica, la talentosa Adriana Calcanhotto, que nos deslumbró con su “Vamos comer Caetano” haciendo ritmo con un plato y un cuchillo (daban ganas de alcanzarle un tenedor) y otras tantas hijas, las grandes cantantes de hoy.

Los dejo escuchando ese himno que es Aguas de Marzo, que según “La Voz” Frank Sinatra: “Es lo mas cercano a la perfección”.

Para aquellos suscriptos a Spotify, una buena selección de la música de Elis:

Relanzamiento Blog

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Manejarnos con nuestra pagina de Facebook y Twitter como medio de comunicación con nuestros clientes nos había alejado de nuestra sana costumbre de compartir textos y novedades a través de nuestro blog. Y pedimos disculpas por eso.
El blog nos permitirá publicar textos más profundos, reseñas, recomendaciones culturales y todo aquello vinculado al universo Métrica.
Nuevamente, disculpas por descuidar este medio de comunicación.
Estamos online nuevamente.

Aquellos que deseen colaborar con alguna reseñas o crítica pueden escribirnos a info@metricastore.com

Lectomanía

Por Jorge Velasco


Para la Dra. Rosa Perel


Un relato

Yo era apenas un estudiante cuando tomaba el colectivo desde La Plata y cuarenta y cinco minutos después, con suerte, me hallaba frente al Hospicio de Melchor Romero. Mientras cruzaba los pabellones me  sentía inmerso en un viaje al pasado en “Stultifera Navis”, mirando por los ojos de Pinel y Clerembault, de Kraepelin y de Charcot. Sí, estaba en Charenton y la escenografía era la que proponía el Divino Marqués, o si prefieren, para ubicarse, lean el comienzo de “El pabellón número 6” de Anton Chejov. Todo esto con un sentimiento muy parecido al que experimenté en los días previos a entrar a la residencia cuando visitando otros hospicios como el Moyano y el Borda, pensaba extasiado y locamente “Yo quiero estar acá”.  Y allí estuve pero eso será otra narración. Por ahora estoy entrando al aula y el Dr. Ciafardo, titular de la Cátedra de Psiquiatría de la UNLP,  está sentado detrás de su escritorio ubicando  sobre el mismo su reloj de bolsillo extraído de su pulcro chaleco. Eran épocas en las que las llamadas “Mostración de pacientes” era una práctica habitual.  Ya culminaba la hora y su entrevista en el estrado. Se trataba de un paciente con un delirio celotípico, éste se retira y el maestro, casi como para sí mismo, murmura: “Este hombre padece los dos males”. Me permitió escucharlo el hecho que era uno de los pocos alcahuetes que nos sentábamos  en primera fila. Ese día descubrí que la realidad no es lo obvio. El paciente: un delirio celotípico;  al hombre le ponían los cuernos.

Ese día, el maestro había actuado convocando a Heidegger, con la sagacidad de los poetas para revelar el ser.

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Posters de Jazz de Edición Limitada

5 Posters de Jazz de Edicion Limitada (40 copias) , fotos de William Gottlieb y diseño de François Mussard en tamaño 40×60 cm impresos en papel especial fotográfico con la técnica Giclée (copias de altísima calidad a partir de la pulverización de partículas de tintas pigmentadas) Diseños disponibles: Dizzy Gillespie, Duke Ellington, Thelonious Monk, Charlie Parker y Billie Holiday

Pedidos a info@metricastore.com

¿Quien es Caetano Veloso?

Por Igor Falconieri

Quién es Caetano Veloso? El hombre de mediana edad que conocí por la televisión durante mi infancia no me llamó inmediatamente la atención con el sonido calmo y pausado de su guitarra y con su particular manera de erguir las cejas mientras cantaba. La imagen del pelilargo, marginal de los trópicos que encontré al comienzo de mi adolescencia saciaba mi curiosidad por saber la razón por la cual esa figura de canto cuasi torpe y cabellos grises era tan respetada y admirada aún en mis tiempos en mi país

Escuché sus discos. Leí sus textos y libros. Y, después de todo eso, Caetano todavía me intriga: sinónimo de inquietud y constante metamorfosis, el compositor brasilero de Santo Amaro de Purificaçao, São Paulo, Rio, Nueva York y Londres inauguró su particular incursión por las vertientes alternativas del Rock con el disco , al lado de la banda homónima, formada por músicos que tampoco habían nacido al momento que el baiano entonaba “Alegría, Alegría” en frente de los insultos y abucheos en los festivales de la TV de Brasil.

Caetano es un ejemplo casi único en el Brasil de conjunción entre experiencia y constante sintonía con lo que hay de más novedoso en el universo del entretenimiento a – a juzgar por su gira Obra em Progresso, que, en una tendencia que cada vez se está tornando más popular en Brasil, precedió al lanzamiento del álbum. – Y el resultado de esa conjunción es extraordinario.

 

Zii & Zie amplia la propuesta iniciada por , haciendo coexistir, a través de formas y arreglos todavía más delineados y contemporáneos, el Samba y el Rock. Esa transa ocurre de una forma tan sutil que llega a no ser posible distinguir quien se sobrepone o quien está en primer plano.

El curioso título, “tío y tía” en italiano, aproxima, explica el compositor, a la cosmopolita São Paulo en “un CD que es un retrato de Rio de Janeiro”. “Falso Leblon”, “Lapa”, “A Cor Amarela”, “Menina da Ria”. El Caetano de la zona sur carioca huye del cliché de las odas al morro de Corcovado y la playa de Ipanema al retratar a la ciudad maravillosa desde otra óptica, igualmente usando la vieja fórmula del collage de descripciones. La propia tapa del disco refuerza esa particularidad, mostrando – a diferencia de las novelas de la Red Globo – el mar de Leblon grisáceo en un día de lluvia.

Las canciones con más influencia del Indie Rock, como “Sem Cais”, “Base de Guantánamo” y “Por Quem?”, son claros ejemplo de como la Banda Cê – Pedro Sá (guitarra), Ricardo Dias Gomes (bajo) e Marcelo Callado (batería)- tienen libre influencia en esta nueva etapa musical del artista. Esa ventajosa interacción entre Caetano y músicos jóvenes ha provocado tanto elogios para el “gran tío” como nuevas camadas de oyentes para una música que se resiste a envejecer.

Como en el disco anterior, Zii & Zie no tendrá siquiera una canción que se destaque particularmente. Ninguna va a convertirse en hit o convertirse en parte de la memoria colectiva latinoamericana como en los trabajos setentistas de Caetano. Es un álbum equilibrado y sin puntos destacados, una preferencia reciente de la crítica y al mismo tiempo una carencia frente al gran público.

¿Quién o qué quiere finalmente ser Caetano Veloso? ¿Tropicalista? ¿Cantor de Música Popular Brasilera? ¿Popstar? ¿O, como ahora, Indie? Aquel hombre de mediana edad reencarnará siempre a su gusto y voluntad. Lo único que Caetano no quiere es morir.

Jazz al por mayor

Por Vicente Grondona

Muchas veces en Métrica nos quejábamos del poco lugar que le daban en Argentina los grande sellos al jazz y a la música clásica. Afortunadamente, esta crítica cada vez tiene menos sentido en un mercado discográfico local curiosamente más vigoroso (a contramano del mundo, donde las ventas de CD´s caen año tras año),  amplio y con estándares de calidad más altos.

El extenso catálogo de compañías como Universal (que incluye al prestigioso sello Verve) es finalmente aprovechado por los directivos locales que se dieron cuenta de que existe un mercado pequeño pero ávido de estas novedades y reediciones. Y que prefiere pagar un precio razonable por un disco original  y no por una maltrecha copia bajada de Internet. Es una ecuación en donde todos ganan: la compañía editando discos con bajo costo de producción y alto margen, y los verdaderos fanáticos de la música porque acceden a discos que de otra manera tendrían que haber conseguido en copias de vinilo a precios a veces estratosféricos.

Y, nobleza obliga, Universal se coloca a la cabeza de los sellos locales que apuestan por la calidad y la diversidad musical.

Luego del éxito de los primeros cinco títulos de la interesante Serie Originals, Universal continúa editando localmente joyas del catálogo más rico de la historia del jazz, con 15 nuevos títulos que amplían el espectro desde el mítico Impulse! a todos aquellos sellos que hoy conforman el grupo Verve.

Los Verve Originals son grabaciones fundamentales -nunca antes editadas en nuestro país, algunas incluso aparecen por primera vez en CD- tanto de algunos grandes nombres del jazz como de figuras cuyo material suele ser más difícil de hallar.

Son sesiones que han sido destacadas por críticos de todo el mundo y verdaderos hallazgos, que hoy se presentan re-masterizadas, en digipacks que reproducen el arte original característico de los LPs y a un precio muy atractivo

Cubriendo un espectro estilístico muy amplio -del sonido de Nueva Orleans de Louis Armstrong al jazz-rock de los setentas de Stanley Clarke, pasando por la bossa nova de Astrud Gilberto- los Verve Originals son títulos que sin duda serán considerados imperdibles para la enorme cantidad de seguidores del género, que siempre dan la bienvenida a este tipo de ediciones respetuosas de las grabaciones históricas.

Algunos títulos destacados:

OSCAR PETERSON TRIO: ‘Plus One: Clark Terry’

Algunos solistas invitados son eclipsados por la fuerza y técnica del pianista canadiense Oscar Peterson, mientras otros consiguen equilibrarlo con su propia capacidad musical y vitruosismo. Es éste el caso del trompetista Clark Terry en esta grabación de 1964. Con el baterista Ed Thigpen y el bajista Ray Brown conformando una base de lujo, los dos solistas se expresan y complementan como dos amigos íntimos en el curso de los imperdibles blues y baladas que componen este disco.

LOUIS ARMSTRONG ‘New Orleans Nights’

Un disco publicado en los años 50 pero que nos transporta al hot jazz de los años 20. Con un sonido relajado y lleno de vitalidad, el genial Louis Armstrong junto a sus “All-Star” interpretan favoritos del ragtime como “Struttin ´With Some Barbecue”, “Basin Street Blues” y “My Bucket´s Got a Hole in It”. Algunos de los músicos que participan: Jack Teagarden (trombón); Barney Bigard (clarinete); Bud Freeman (saxo tenor) y Earl Hines (piano).

JOHN COLTRANE ‘Live At Birdland’

El genial cuarteto del saxo tenor que cambió el jazz moderno para siempre, en una de sus mejores épocas de interacción en vivo; considerado uno de los discos que mejor muestra esta etapa en la evolución de la búsqueda constante de Coltrane.: desestructuración de la melodía de la canción, terribles y complejos cambios armónicos, muchísimas notas y utilización del registro más agudo del saxo. Acompañan el trío clásico: McCoy Tyner al piano, Jimmy Garrison al contrabajo y Elvin Jones a la batería

PAUL DESMOND ‘Bridge Over Troubled Water’

Este disco es una compleja mezcla de jazz, música leve y pop, con atractivas orquestaciones (realizadas por Don Sebesky) que sirven como bases al saxo alto de Desmond y al piano eléctrico de Herbie Hancock.  A pesar de los prejuicios de los puristas,  el saxo de Desmond encuentra muchas cosas interesantes para expresar en este particular homenaje. Disco no apto para fundamentalistas del jazz.

ELLA FITZGERALD ‘Ella In Hamburg’

Una noche única de la ‘Primera Dama de la Canción’, en un concierto memorable de 1965 en la ciudad alemana de Hamburgo, recorriendo un repertorio tan variado como irresistible junto al trío del lírico pianista Tommy Flanagan (junto al bajista Keter Betts y el baterista Gus Johnson).Imperdibles las versiones de los clásicos “That Old Black Magic” y “And the Angels Sing”.

GATO BARBIERI ‘Ruby, Ruby’:

Este disco del gran saxofonista argentino fue editado en el año 1977. Posee un marcado carácter latino y baladístico, y colaboraron músicos de la talla de Herb Alpert, Lee Ritenour, Steve Gadd o Paulinho Da Costa. Cuenta con composiciones de Barbieri, Herb Alpert, Marvin Gaye y  Stevie Wonder.

STANLEY CLARKE ‘Children Of Forever’

Disco producido por Chick Corea, que participa también tocando el Fender Rhodes y el piano acústico. La banda incluía también al flautista Arthur Webb, a  Lenny White en batería y al guitarrista Pat Martino. En voces,  el inigualable Andy Bey y Dee Dee Bridgewater. Clarke interpreta tanto el bajo eléctrico como el acústico. Un excelente disco con un jazz funky,  inspirado y brillantemente interpretado.

BLUE NOTE. El mejor sello de Jazz.

El jazz de los cuarentas, cincuentas y sesentas tuvo, además de una increíble e irrepetible densidad de talento musical, la suerte de contar con un grupo de personas que se animaron a plantear una alternativa a los grandes sellos discográficos. Un rápido repaso de los nombres más señeros nos traerá a la memoria a artistas y discos inolvidables: Dial, Savoy, Atlantic, Prestige, Blue Note, Riverside, Contemporary. El que nos ocupa esta vez es, seguramente, el más influyente de todos: Blue Note.

Fundado en 1939 por dos inmigrantes berlineses, Alfred Lion y Francis Wolff, fue el primer sello de jazz en usar discos de 12 pulgadas. La compañía establece en los primeros ‘40 un importante catálogo de jazz tradicional y swing: Albert Ammons, Meade “Lux” Lewis, Sydney Bechet, Earl Hines, James P. Johnson, Edmond Hall.
Ike Quebec fue el responsable de la dirección de Artistas y repertorio; gracias a este músico, con los dos pies bien plantados en el swing, se gestó la apertura de Blue Note al Be Bop. El opúsculo de presentación de la etiqueta desde el ‘39 al ‘46 lo aclaraba muy bien “Los discos Blue Note son productos al servicio de la más auténtica expresión del Hot Jazz y el Swing”. No sería alocado suponer que, sin Quebec, la famosa “estética Blue Note” no existiría. De su mano desembarcaron en el sello Fats Navarro, Sonny Rollins, Bud Powell, Howard McGhee, Horace Silver, Art Blakey y Thelonious Monk, con los primeros quince 78 rpm. Esta última fue una pésima decisión financiera, pero una declaración de principios que muy pocas marcas, antes o después, han podido igualar.
La década del ‘40 pasa, comienzan los ‘50 y los nombres se acumulan: Elmo Hope, Clifford Brown, Wynton Kelly, Kenny Drew, Kenny Burrell, Herbie Nichols, Kenny Dorham, Milt Jackson, Thad Jones, una lista que quita el aliento pese a no ser exhaustiva.
Algunas de las diferencias con los demás sellos eran la absoluta libertad en la elección y manejo del material, la disponibilidad de varias horas de ensayo previas a cada sesión y la posibilidad de sesiones nocturnas (muchas a altas horas de la madrugada), momento en el que los músicos de jazz se encuentran más a gusto. Seguir leyendo “BLUE NOTE. El mejor sello de Jazz.”